“中国编剧学”系列讲座回顾 | 聊聊音乐剧的创作

2025年11月27日下午，一场题为“聊聊音乐剧的创作”的讲座在上海戏剧学院华山路校区红楼212教室举行。本次讲座是戏剧文学系主办的“中国编剧学”系列讲座之一，特邀上戏戏曲导演专业优秀毕业生，音乐剧编剧、导演、作词孙浩程老师担任主讲，戏文系青年教师陶倩妮老师主持。讲座吸引了校内众多师生踊跃参与，现场座无虚席，加座众多，气氛热烈。

孙浩程老师围绕“音乐剧创作”展开，真诚地与在场师生分享了他多年在一线创作的实战心得，内容翔实而丰富，对同学们的创作起到了极大的启发与引领作用。

谈及音乐剧的“组成”，孙浩程老师明确指出了音乐剧创作的“灵魂”——唱段。他强调，“能否以唱段结构叙事”是筛选故事题材的第一标准。唱段是角色的语言，是音乐剧最醒目的表达，也是文本的高亮。音乐剧的核心特质决定了它的逻辑叙事需依赖歌舞来表达，当情感积累至一定阈值，叙事方式必须转化为歌唱。值得注意的是，孙浩程老师结合上述创作特点，特别指出了几种在音乐剧改编中需审慎处理的剧作类型——如悬疑剧与情景喜剧。前者依赖强情节的实时推进，后者则多呈现碎片化结构。若要将这类作品搬上音乐剧舞台，在改编时需格外注意形式与内容的适配。

在“人物”这一重要组成上，孙浩程老师提出应着力于创作“伟大的人物”，并对“伟大”进行了以下方面的阐释，这样的人物须是：典型环境的典型人物（置身于典型环境展现充分特征）；值得诉说的人物；足够复杂的人物、成长线有起伏的人物、以及拥有强大对手的人物（对手强大到能激发其全部潜能）。他特别提醒创作者需警惕“过于完美的人物”与“自己最熟悉的人物”，前者易失于真实显得扁平，后者则可能受“创作惯性”影响而难于创新。

他坦言，进入创作后期，必然要学着接受“二度创作”的洗礼。首先是要接受主办方对编剧提出的第一个问题：“你想做一个什么样的戏？”。这一发问实则是带动编剧去思考作品的创作“模式”。他指出，确立模式可从歌曲风格、故事类型、艺术家特点、商品色彩、甲方要求以及内心等多个维度出发。

音乐剧作为高度综合的艺术形式，涉及编剧、作曲、导演、编舞、音乐总监、演员、设计等多元角色的协作。在这一创作模式下，孙浩程老师以生动的比喻阐释了各环节的功能：“作词是音乐剧的摄影师，作曲是音乐剧的剪辑师。”若将音乐剧比作一部电影短片，编剧便承担着“分镜”的职责——通过文本捕捉人物的情感瞬间与心理状态，赋予每个片段以清晰的叙事“镜头”。而作曲者则负责“剪辑”这些镜头，通过音乐动机调控全剧节奏、营造氛围以及揭示角色境遇。词与曲之间，因而形成一种紧密联动、相互生成的创作共生关系。

基于其丰富的创作实践经历，孙浩程老师系统梳理了音乐剧中唱段的功能性分类，揭示了作词在不同叙事节点上的具体任务：序曲（负责奠定全局基调或铺垫氛围）“I want song”（展现主角内心愿望与困境）、吵架歌（戏剧冲突的显化与激化）、“九点半”大歌（创作的核心、角色的“灵魂暗夜”）、尾声曲（主旨的升华与深化）。此后，他展现了众多曾创作曲目的歌词，风格众多、文采斐然、紧扣人心，令在场老师与同学们十分敬佩。

孙浩程老师强调，作词远非简单的填词工作，它要求创作者深入掌握戏剧结构、理解人物心理及了解相关音乐特性，使每一句歌词都成为叙事之锚，精准服务于人物动机与戏剧张力。

在交流环节，孙浩程老师结合创作实践经历，集中回应了师生关切的若干问题。他坦言，幼年学习戏曲的经历使他对舞台呈现更具直觉，并分享了在《唐朝诡事录·曼陀罗》的创作中通过“配角升格”突破影视IP改编困境的案例，他跳出了原作“单元剧”的创作格式，依据“暴风雪山庄”的模式新创案件故事，令作品新意倍增；他在《南墙计划》中大胆采用留白式结尾，追求无声胜有声的艺术效果。面对在创作此作品时遇到的“创作惯性”问题，他则主张通过突破舒适区保持创新活力。

此外，关于同学对“宣叙调”的相关问题，他也认为宣叙调好听非常重要，虽然作为作词无法左右作曲创作，但会在自己创作时尽量让歌词贴近自然状态下人物的心境，以便于作曲参照。最后，作为行业先行者，孙浩程老师勉励在场同学广泛涉猎，保持对知识的渴求，并通过“大量、有效的工作坊”将理论付诸实践。他趣味性地提出提出“多看repo，也少看repo”的辩证论断，意在提醒创作者既要倾听市场反馈，亦需保持艺术定力，守护创作初心。有“小小的骄傲”和“大大的谦虚”，以稳定的心态，在葆有基础自信的同时于协作与无限自省中不断精进创作。